《不眠之夜》：面具之下，麦克白的梦境回响

进入金麦侬酒店，戴上幽灵面具。在这里，我是一位入住的旅客，在昏暗走廊里跟随演员的脚步踏入酒店，感受莎士比亚笔下《麦克白》的故事脉络。

经典的新生

导演Felix Barrett、联合导演Maxine Doyle曾评价：“《不眠之夜》上海版即将迈入另一个阶段。”

自2011年纽约版首演以来，这部沉浸式话剧已在全球掀起热潮，一举获得了纽约戏剧委员会奖独特戏剧体验奖以及奥比奖的设计及编舞特别奖。2018年获第24届TEA“年度杰出成就奖”，该奖项也被誉为主题娱乐行业的“奥斯卡奖”，与迪士尼、梦工厂等国际项目同获此奖。

而上海版更是凭借对本土文化的巧妙融合，成为城市文化地标之一，驻演超2000场。2020年获第9届艾蒂亚奖“中国最佳旅游投资效益奖金奖”；2025年获第13届艾蒂亚奖“最佳文化旅游演艺项目奖金奖”及“最佳沉浸式旅游项目奖金奖”，还入选“全国旅游演艺精品名录”，并获第四届“上海十大文化品牌”称号。

这便是《不眠之夜》（Sleep No More）带来的颠覆性体验——它以莎士比亚《麦克白》为蓝本，将酒店改造成充满悬疑的戏剧空间，让观众从“旁观者”变为“参与者”。在剧情节奏与情感表达上，融入堪称“润物细无声”。西方版本的《不眠之夜》更强调悬疑与惊悚，而中国版则弱化了血腥场面，增加了情感细腻度。这种内敛的表达更符合中国观众的情感审美。

触摸故事

《不眠之夜》最令人震撼的，莫过于它对空间的极致利用——一座酒店，90多个独立场景，从布满尘埃的医院病房、摆满古董的奢华卧室，到弥漫着雾气的森林与富有情调的酒吧，每个空间都是承载着剧情线索的容器。观众推开每一扇门、触摸每一件道具，都可能触发隐藏的细节：档案室里泛黄的照片藏着角色的隐秘心事、角色的命运紧密相连。

这种“空间叙事”彻底颠覆了传统话剧的线性表达。在传统话剧中，观众只能通过舞台上的场景切换被动接收信息，而在《不眠之夜》中，空间本身就是“第二演员”。螺旋上升的楼梯结构，随着观众拾级而上，灯光逐渐变暗，墙壁上的油画色彩愈发浓烈，仿佛将人一步步拖入角色内心的欲望深渊。更巧妙的是，不同场景之间的“过渡空间”也被赋予了“时间折叠”的意味，观众可能在穿过一道门后，突然从“麦克白的婚礼”切换到“邓肯国王遇刺”的现场，这种碎片化的空间体验，恰好呼应了故事中“命运无常”的主题。

此外，空间的“多线程”设计让每个观众都能拥有独一无二的观剧记忆。90多个场景同时上演不同的剧情片段，观众无法一次性看完所有内容，只能选择跟随某一位演员的脚步——有人跟着麦克白见证他从英雄到暴君的堕落，有人跟着麦克白夫人目睹她在愧疚中崩溃，还有人在无人的房间里发现隐藏的道具，拼凑出配角的隐秘故事。这种“选择即体验”的空间设计，让观众从“被动观看者”变成“主动探索者”，而每一次重复观剧，都是对空间细节的再发现，这也正是《不眠之夜》能吸引观众“二刷、三刷”的核心原因之一。

从“观看”到“共生”

如果说空间是《不眠之夜》的骨架，那么“互动”便是它的血液——这部话剧彻底抛弃了传统话剧的“第四堵墙”，让观众与演员、观众与剧情之间形成紧密的“共生关系”。在这里，没有固定的观众席，观众需要佩戴白色面具，在黑暗中跟随演员移动；没有台词提示，演员通过肢体动作、眼神与道具传递情绪；更没有“正确”的观剧路线，观众的每一个选择都可能改变自己的剧情体验。

在这里，演员与观众的互动是一种“平等的叙事合作”。演员会根据观众的反应调整自己的表演。更特别的是“一对一互动”场景——部分幸运观众会被演员单独带入密闭空间，比如被麦克白夫人拉进卧室，听她低声诉说内心的恐惧；或被“侍者”带到酒吧，收到一封写着密码的信。这些专属体验既增强了观剧的稀缺性，也让观众产生“被故事选中”的归属感。

值得注意的是，《不眠之夜》的互动始终保持着“克制的边界感”。观众虽然可以自由移动、但不能打断演员的表演，也不能摘下面具——白色面具既是观众的“身份标识”，也是一种“情感缓冲”。戴上面具，观众可以暂时抛开现实身份，全身心投入剧情；而面具的存在，又避免了观众因过度代入而干扰演出。

有人形容观看《不眠之夜》就像进入了一场梦，梦里的一切模糊却真实，稍纵即逝却又令人回味无穷。正是这种介于“实”与“虚”之间的状态，让人深刻体会到沉浸式戏剧作为一种艺术形式所能带来的极致魅力。（文：木雨杏）